Críticas: Citizens & Saints - ''A Mirror Dimly''

Citizens & Saints - ''A Mirror Dimly''

8/10

indie-rock/rock cristiano

''pensar que estos tíos han planteado un álbum de este calibre bajo la temática del cristianismo por bandera, es digno de admiración''.

Críticas: Anthony Green - ''Pixie Queen''

Anthony Green - ''Pixie Queen''

7,5/10

indie - rock

''Es en este álbum donde encontramos al Green más personal, más profundo y más sincero que nunca''.

Críticas: Bob Mould - Patch The Sky

Bob Mould - Patch The Sky

7'5 - 10

''Más sabe el diablo por viejo que por sabio, y si no que se lo digan al bueno de Bob, que a sus 55 años nos demuestra que la música no entiende de edades, y con el permiso del resto de géneros, aún menos el rock & roll''

Críticas: The Dear Hunter - ''Act IV: Rebirth In Reprise''

The Dear Hunter - ''Act IV: Rebirth In Reprise''

8'5/10

rock progresivo/indie-rock

''Una vez que lo empiezas a escuchar, prepárate para engancharte a una auténtica obra teatral''.

Críticas: We Are The Ocean - ''Ark''

We Are The Ocean - ''Ark''

6'5/10

''Sin duda alguna, la patada al ex vocalista Brown fue un acierto total, ya que ha permitido a la banda experimentar entre sonidos influenciados por Muse o Queens Of The Stone Age''.

Críticas: Editors - ''In Dream''

Editors - ''In Dream''

4/10

''Falsetes, sintetizadores, melancolía, y oscuridad para tapar los problemas reales de una banda que no ha sabido progresar correctamente en su sonido tras la marcha de uno de los miembros más importantes''.

Críticas: Clutch - ''Psychic Warfare''

Clutch - ''Psychic Warfare''

7'5/10

''Clutch podría ser el sinónimo perfecto de hacer bien las cosas''

Críticas: Ghost - 'Meliora'

Ghost - Meliora

8/10

''Probablemente, sea el álbum que enganche a aquel sector más clásico que duda del Papa Emeritus y los Nameless Ghouls''

Críticas: Envy - Atheist's Cornea

Envy - ''Atheist's Cornea''

9/10

screamo/post-rock/punk-hardcore

''Es probablemente, el disco más directo y maduro que hayan compuesto nunca''

Crónica 17/4/15 - TriCiclo [8]: Cuchillo de Fuego + Helms Alee + Russian Circles

Fotografía: Federico Álvarez

Redacta: Eduardo López de Ayala Alcántara


Bajo una incesante lluvia, a la cual nos hemos acostumbrado ya en la capital gallega, que aumentaba su potencia conforme avanzaban los minutos, nos disponíamos a acudir a la Sala Capitol, para ver con muchísima ilusión el TriCiclo [8], que traía a los pontevedreses Cuchillo de Fuego, a los norteamericanos Helms Alee, y el plato fuerte del evento, Russian Circles.

Ya en una Sala Capitol, que no presentaba por el momento una entrada brillante, Cuchillo de Fuego se encargarían de abrir el evento. quienes en media hora presentaron su último álbum, ''Triple España''. Liderados por la voz de Juan Fernández, dieron un rápido y directo concierto de hardcore, en el que nos hicieron disfrutar con canciones como ''Electrónica Martínez'', con la que comenzaron, ''Bouquet (Fuego y Mierda)'', ''Contribución'', para acabar, en una media hora exacta de concierto, con ''Forforcio''. De esta banda podríamos decir el tópico de 'si le quitas la voz, la música sigue sonando fenomenal', pero la desgarradora voz de Juan y los movimientos peculiares en el escenario, hacen a Cuchillo de Fuego tener 'eso' que te diferencia del resto. No me preguntes que es 'eso', aún soy joven.

Cuchillo de Fuego, en acción. Fotografía: Federico Álvarez

Tras estar completamente enganchado por Cuchillo de Fuego, miré hacia atrás y para mi enorme sorpresa, me encontré una sala completamente abarrotada. Tras finalizar, se procedió a desmontar el escenario (felicidades a todo el equipo, como ya dije en otra crónica, esto sin vosotros sería muy díficil) y hacían su entrada los norteamericanos Helms Alee, compañeros de viaje de Russian Circles por Europa.
Esta banda liderada por Ben Verellen, vinieron a Santiago para presentar su último álbum, ''Sleepwalking Sailors'', y descargar con rabia su mezcla de stoner, noise rock y sludge. En su actuación, tocaron temas como ''Pleasure Center'', ''Dangling Modifiers'', ''Pinniped'', o ''Dodge the Lightning'', en los que el juego de voces masculinas y femeninas, dieron como resultado un concierto en el que, sinceramente, cambiaron toda mi expectativa de este trío formado por dos mujeres y un hombre, y eso que, durante más o menos 30 minutos, tuvieron fallos con el sonido, que se fue solucionando poco a poco. La labor de Hozoji Margullis en la batería, puso el listón bastante alto.

Ben Verellen, vocalista de Helms Alee. Fotografía: Federico Álvarez

Tras la actuación de la banda de Seattle, comenzarían los preparativos para la entrada del plato fuerte de la noche, Russian Circles. Unos quince minutos después de la salida de Helms Ale, y en un ambiente tétrico, originado por el juego de luces oscuras y las nubes de humo, hacían su entrada la esperada banda de post-metal, quienes nos harían disfrutar durante mas de una hora y media, de los mejores temas de sus diez años como banda.

Russian Circles, bajo las sombras. Fotografía: Anxo Outeiral

Comenzaron, casi en la más completa oscuridad, con la intro ''Memoriam'', de su último álbum, para dar comienzo con la fuerza y potencia de ''Deficit'', el segundo ''track'' del mencionado último álbum. Continuaron con ''Carpe'', ''309'' y ''Harper Lewis''. Entre tema y tema, no nos dejaban descanso, ya que experimentaban con sonidos ambientales y afinaciones de guitarra.

El público pidió ''Geneva'', y así fue, la banda tocó esta canción con un Brian Cook que con el bajo, provocó que más de un se despertara con tortícolis al día siguiente. Pasaron a un ambiente más post-rock con ''1777'' y ''Station''.

La banda acabaría el concierto con las potentes ''Mladek'' y ''Youngblood''. Ambas volvieron loco a un público que lo dio todo, de principio a fin.
Sin duda alguna, un concierto que quedará para el recuerdo en las paredes de la Sala Capitol de Santiago de Compostela. No podemos estar más agradecidos a Toño y Work On Sunday por brindarnos la oportunidad de disfrutar de este TriCiclo [8], y por la calidad de las bandas que nos traen, impensable hace no mucho.
Enhorabuena y mil millones de gracias.


¡¡Nos vemos pronto!!

Crónica 11/4/15: Berri Txarrak + Superoito

Redacta: Eduardo López de Ayala Alcántara
Fotografías: Álvaro Puente Mella


Si os digo la verdad, era la primera vez que obteníamos un pase de prensa para un concierto. No teníamos ni idea, que si nos iban a dejar pasar, que si el guardia de seguridad no nos iba a dejar pasar con la cámara, y miles de preguntas más que dos chavales de 21 y 22 años nos hacíamos sobre la vida periodística.

Nada más llegar a la Sala Capitol, enseñamos nuestros documentos nacionales de identificación, y oímos: ''Eduardo López y Álvaro Puente, de Rock The House, pase de prensa, pasan''. Como no, en ese momento piensas, en que todo esfuerzo tiene recompensa.

Al entrar en la sala, equipados con una cámara profesional y con más ganas que nadie, observamos como los responsables de montar el escenario (al cual felicitamos por el trabajo realizado), comenzaban a desmontar  una ''pancarta'' en la que se veía a un hombre de traje y sombrero con la cabeza ardiendo y la cabeza agachada, andando sobre un prado, recordando a la portada de ''Denbora Da Polígrafo Bakarra''. Se avecinaba algo grande.

Veinte minutos después más o menos, entraban en escena los gallegos Superoito, que supieron calentar el ambiente con un punk rápido y cañero. Grupo de sudores, saltos y zapatillas rotas. Poco pudimos disfrutar de su actuación, algo más de media hora, ya que el ajustado tiempo del que disponían, les hizo cortar su actuación. Nos hicieron vibrar con temas rápidos, cantados en lengua gallega, en la que riffs de guitarras, acompañados de una rápida batería y un bajo que se dejaba notar marcando el ritmo, nos hizo mover las piernas en más de una ocasión. Tocaron temas como ''Non Sabes Bailar'' o ''Revolución Sexual'', que nos recordaron a grupos de la escena punk como Anti-Flag o The Casualties.

Iván Paderne, vocalista y guitarrista de Superoito

Tras un concierto de más o menos media hora, y una espera de unos veinte minutos, que se nos hizo corta gracias a la degustación de Estrella Galicia que pudimos disfrutar por 2 euros, hicieron la entrada Gorka Urbizu, Galder Izagirre y David González, para presentarnos su ''Denbora Da Polígrafo Bakarra'', y celebrar con nosotros su 20º aniversario. Todo un honor.

Cuando quise darme cuenta, mire para atrás y vi una Sala Capitol abarrotada hasta la bandera. Nosotros estuvimos junto a un grupo de vascos, por lo que las risas tampoco faltaron en este evento.

Berri Txarrak supieron combinar a la perfección temas de sus tres álbumes que componen ''Denbora Da Polígrafo Bakarra'', tocando temas como ''Lanbroan'' (con la que comenzaron), e ''Ordaina'', que volvieron loco a un público totalmente entregado, pasando a temas del disco grabado con Ricky Falkner como ''Bikarren Itzala'' o ''Lemak, Aingurak'', temas que hicieron bailar y saltar a toda la Sala Capitol. Esos cambios de intensidad, eran agradecidos tanto por la banda como por el público, ya que más de uno no hubiera podido aguantar tanto tiempo seguido los famosos ''pogos''.

David González y Gorka Urbizu, en plena acción.

Los únicos descansos que nos dejaban, eran los cambios de instrumentos entre David y Gorka, ya que al tener tanta variedad musical, no todas las canciones pueden tocarse con la misma guitarra ni con el mismo bajo. ''Etsia'' se convirtió en uno de los himnos del concierto, ya que el propio Gorka nos enseñó como debíamos cantar el estribillo correctamente, y nos desgañitamos gritando ''nola azalera irten''. Tuvieron tiempo también, para dar un homenaje a su 20º aniversario, con ''Polígrafo Bakarra'', y para tocar temas de otros álbumes como ''FAQ'' u ''Oreka'' y marcharon del escenario con ''Zerbait Asmatuko Dugu'', canción ''punkarra'' y pegadiza que nos hizo saltar como locos. Cuando todo parecía acabado, volvieron para despedirse a lo grande, tocando dos temas de discos anteriores, ''Libre'' y ''Denak Ez Du Balio''.

En definitiva, podemos afirmar que Berri Txarrak han llegado a lo que son no solo por su música, si no por sus conciertos y su puesta en escena. Interactúan con el público, se dejan querer y cumplen la mayoría de las peticiones que se les hacen (muchas gracias David, por la púa).
Lo dieron todo, y lo dimos todo.

Esperemos verles pronto, y sobre todo, esperemos celebrar otro aniversario más. Muchas gracias a Santa Guerrilla por confiar en nosotros, enhorabuena al equipo que se encargó de preparar el escenario, ellos también son el grupo, y enhorabuena a las dos bandas por ambos conciertos.

A continuación, puedes echarle un vistazo a las fotos del evento.

Críticas: Toundra - ''IV''

Toundra - ''IV''

8'5/10

Para muchos, que este cuarteto de rock instrumental, esté en bocas de todos, es algo que no sorprende. 
¿Cómo en este país, veneradores del ritmo musical sencillo, se puede llegar a lo más alto sin tener estribillo en las canciones? 

La respuesta se encuentra en los cuatro discos de estos madrileños, que recordemos, ficharon el pasado verano con el importante sello Century Media, lo cual está provocando que el nombre de Toundra, haya traspasado las fronteras españolas adentrándose en el mundo musical del resto de Europa. Y es que, gracias a esto, el viejo continente verá con sus propios ojos, la calidad de muchos músicos españoles que son castigados por el látigo de la indiferencia de muchos oídos.

Muy esperado y ansiado este ‘’IV’, compuesto por 8 canciones trabajadas hasta el más mínimo detalle, con subidas y bajadas en todas las canciones. Cada tema representa la vida y emociones de dos zorros que habitan y recorren un bosque. 

Comenzando por ''Strelka'', en los que un inicio ambiental y unos punteos de guitarras, nos confirman que, la esencia de la banda no se desvanece. ''Qarqom'' y ''Belenos'' siguen en la tónica de sus canciones más potentes, con unos ''riffs'' y una batería que se hacen notar durante toda la melodía. Entre ellas, encontramos ''Lluvia'', que durante 5 minutos hace de puente ambiental entre las dos anteriormente mencionadas.

A continuación de ''Belenos'', viene la sorprendente ''Viesca'', que quizás (si mi memoria no falla), una de las pocas canciones en las que Toundra presentan estribillo. Esta canción llama la atención por la inclusión de trompetas y violines, que recuerdan a canciones como ''Requiem'' (III) 

Punto álgido de nuestros compañeros de viaje. Pelos de punta.

A continuación, otros dos minutos de ''riffs'', punteos y ambiente con ''MRWING'',  para dar paso a ''Kitsune'', la cual posee uno de los mejores finales del álbum.

Finalmente, ''Oro Rojo'', la canción quizá mas emotiva del álbum, que comienza con las guitarras de Esteban Girón y Macón echando fuego, para más tarde traer la calma, dando el broche final con la muerte de uno de los dos zorros.

Sensacional. Sin ninguna duda, hemos encontrado nuestro oro rojo particular.

                                                                                                          

Eduardo López de Ayala Alcántara

Críticas: Soen, Machine Head, Circa Survive y Antemasque.

Soen - Tellurian

9'5/10

Lo más importante cuando hablamos de Soen, es la vuelta a la música y la recuperación completa de uno de los mejores baterías en activo. Capaz de pasar de ritmos suaves a fuertes dominados con el doble pedal de manera brillante, Martín López ha alegrado a todos los que le conocen desde sus andaduras con Amon Amarth.
Recordemos que, el sueco, de origen uruguayo, estuvo apartado un tiempo de la música, ya que en una gira con Opeth, sufrió varios ataques de pánico, y además se le fue detectado un envenenamiento en la sangre, derivado de una extraña enfermedad, y tuvo que abandonar la banda en 2006. Todo era negro por entonces, y por fin, está recuperado, y dispuesto a hacer lo que más le gusta, que es la música.
En el año de su formación, Soen contaba con el bajista Steve DiGiorgio (ex Testament y Sadus, entre otras), el vocalista Joel Ekelöf, el guitarrista Kim Platbarzdis, y el mencionado López.
En su álbum debut, publicado en el año 2012, bajo el título de 'Cognitive', observamos unos Soen que tenían muy marcadas sus influencias de bandas progresivas, en especial, de Tool.
Tras la publicación de este disco, no muy bien recibido por la crítica, que les recriminaba su parecido con el 'Lateralus' de los ya citados Tool, DiGiorgio, abandonó la formación, y fue sustituido por Stefan Stenberg. Fue aquí, donde la banda escogió seguir otro camino a la hora de componer y preparar un nuevo disco. Dos años después de 'Cognitive' nos presentan 'Tellurian', un álbum que ya empieza brillante, con una portada que llama la atención a cualquiera.

En 'Tellurian', observamos una banda que ha madurado en sus sonidos, que ha trabajado hasta el más mínimo detalle en las composiciones y en la producción del álbum. Soen ha sido capaz de juntar todas sus influencias y modelarlas a su antojo, creando un sonido más personal. La delicadeza con la que han compuesto este álbum se observa en canciones como 'Kuraman' o la magistral 'The Words', seis minutos de delicia musical. 

Sigue sonando similar a sus influencias, como en 'Tabula Rasa' en la que el bajo y batería inevitablemente recuerdan a Tool, aunque en este disco, también es notable la influencia de Opeth, sobre todo de su penúltimo trabajo, 'Heritage', por la cantidad de cortes progresivos.
Brillante el trabajo vocal de Joel Ekelöf, acompañado de coros en todas las baladas y estribillos de cada canción, que, desde lo más profundo de su melancolía, nos hace llegar a lo más alto de la montaña rusa, sin sentir miedo ni vértigo, protegidos por su endulzada voz. Brillante Ekelöf.
Sin ninguna duda, 'Tellurian' estará entre lo más destacado de este 2014, y lo recomiendo a todas aquellas personas que disfruten con bandas como Opeth o Leprous.

                                                                                      Eduardo López de Ayala Alcántara

Machine Head - Bloodstone and Diamonds

7'9/10

Veinte años. Sí, esa es la edad de este leviathan de la música pesada. Soy de la opinión de que Machine Head existen por mandato divino, pero además, es que de no hacerlo, habría que crearla.

Que hayan pasado veinte años desde aquel 'Burn My Eyes' que revolucionó los cimientos del metal y sigan creando una expectación desmedida con cada nuevo lanzamiento es algo digno de mención. Y después de 3 años de gira mundial presentando su anterior obta, 'The Locust', el próximo trabajo se esperaba como agua de Mayo.

Lo primero que se aprecia en este nuevo trabajo es una continuidad en la idea musical que llevan desarrollando desde 'Through The Ashes Of Empire', obra que inició un giro fundamental en la banda, apartándose de los giros decadentes en los que estaba el nu-metal a principios de milenio y que culminó en el mejor disco de metal de lo que llevamos de siglo, el glorioso 'The Blackening'.

Este 'Bloodstone & Diamonds' recoge el testigo de su anterior obra, composiciones densas, con un aire de barroquismo que ya es santo y seña de la banda, aderezado todo con unos estribillos que con las escuchas van ganando terreno  presencia, y culminando con unos punteos de guitarra que hacen levantarte del asiento. Mención especial al trabajo vocal de Robb Flynn, posiblemente en el mejor momento de su carrera, que sin ser precisamente un virtuoso es capaz de ponerte los pelos de punta con esa garganta rasgada y su presencia escénica.

El disco requiere de varias escuchas, no es para nada inmediato, debido posiblemente, a que se les ha ido la mano con el minutaje. Esto hace que al final de la escucha quede una sensación agridulce, y es que el final del disco se hace algo pesado al incluir algún interludio en las canciones que alarga el LP en exceso. Si hubieran intentado concretar algo más, dejando tal vez un disco de 50 minutos en vez de 70, estaríamos hablando de otra obra redonda, en vez de tener la sensación que se han ido por las ramas.

En definitiva, otro trabajo con el que disfrutar, saltar y alabar escucha tras escucha. Muy recomendable para los amantes del género, puede que más lejano para aquellos que se acerquen por primera vez a Robb Flynn y su séquito.

                                                                                   Gonzalo López de Ayala Alcántara

Circa Survive - Descensus

6'5/10

Circa Survive es esa banda liderada por el flamante vocalista Anthony Green, quien con este nuevo lanzamiento junto a la formación de Filadelfia, ya lleva quince álbumes de estudio entre todos sus proyectos. El cantante, está en un momento brillante de su carrera, y en esta ocasión, bajo el sello de Summerian Records, junto a Circa Survive, 'Descensus', quinto álbum de la banda.
Tenía muchas ganas de este disco. Tras lo bueno que me pareció el anterior trabajo, 'Violent Waves', publicado en el 2012, esperaba mucho de los de Anthony Green y compañía, y más aún después del pequeño adelanto que dieron de 'Schema', y tras la publicación de la portada del disco. Me moría de ganas.
Me he escuchado este disco las suficientes veces como para poder opinar sobre él, y es que, en todas las escuchas seguí pensando lo mismo que en la primera: la monotonía estropea el disco.
Tras un inicio caótico con 'Schema', seguido de la progresiva 'Child Of Desert' y la rockera 'Always Begin', el disco entra en una dinámica, en la que todas las canciones parecen ser la misma. Es decir, que comienza con fuerza, y conforme avanza, se va desvaneciendo, entrando en esa monotonía, y quizás, aburrimiento.
De una cosa no hay duda, y es que en cuanto  al trabajo vocal de Anthony Green, rompiéndose las cuerdas vocales en más de una ocasión, como en 'Only The Sun' o la mencionada 'Always Begin', no hay queja.
'Descensus' requiere paciencia. No es el mejor álbum de la banda, y tampoco es un álbum con el que vayas a disfrutar bailando en tu cuarto, pero si tiene una calidad más profunda, que se observa con cascos y los ojos cerrados.

Encontrarás una mezcla de sonidos, trabajados desde el álbum debut 'Juturna', allá por 2005, con las producciones más recientes tanto de Circa Survive, como los proyectos paralelos de Anthony Green. Hablo de que, incluso sonidos pertenecientes a la escena post-rock se pueden apreciar en alguna canción, como es 'Who Will Lie With Me Now' o 'Nesting Dolls'. Y es que juntar post-rock, con rock progresivo y post-hardcore, no es tan fácil. Es lo que más valoro de este nuevo disco. Y es que, hay que saber valorar lo que es un LP, y todo lo que hay en él.

Da la sensación, que en este álbum la banda sigue sin encontrar un sonido propio.

Y sigo pensando lo mismo, aún les falta ese disco que les empuje hacia lo más alto. Poco les falta, estoy seguro.

                                                                                    Eduardo López de Ayala Alcántara

Antemasque - Antemasque

8,8/10

Cuando Cedric Bixler-Zavala publicaba en Twitter, que The Mars Volta se separaban, culpando a su compañero Omar Rodríguez-López, todos nos echamos las manos a la cabeza. Se separaban dos genios, que hicieron auténticas maravillas musicales tanto con At The Drive-In, con de The Mars Volta, y con multitud de bandas con las que colaboraron y produjeron.  

No pasaron ni 6 meses cuando ambos daban la noticia de que formarían un nuevo grupo. Personalmente, cuando estas cosas pasan, creo que ciertas personas aunque no quieran, están predestinadas a estar juntas. Ambos músicos, contaron con la ayuda de Dave Elitch, quien fuera batería en The Mars Volta, y Flea, bajista de los Red Hot Chilli Peppers, que ya trabajó con ellos en The Mars Volta, además de dejarles su estudio de grabación.

Parece que el álbum homónimo de Antemasuqe salió hace un siglo, ya que el proyecto se oficializó el 9 de abril, junto a dos singles, '4 AM' y 'In The Lurch', pero es que fue hace un mes solamente cuando salió de manera oficial a la venta la edición física del disco.

La primera vez que escuché este disco, esperando algo similar a lo último de The Mars Volta, quedé asombrado. Parece que ambos, para intentar buscar un punto en común a la hora de encontrar un sonido, decidieron volver a aquellos At The Drive-In, o al 'Deloused In The Comatorium' de The Mars Volta. 

Directo, sencillo y rápido, así definiría este álbum. Con un inicio brutal con '4 AM', seguida de 'I Got No Remorse', con unos riffs que nos recuerdan a los mismísimos Rage Against The Machine, y 'Ride Like The Devil's Son', y el 'hitazo' 'In The Lurch', que entre los coros, la guitarra de Omar y la voz de Cedric, nos hacen recordar a los The Mars Volta que echábamos de menos. Estas cuatro canciones, uno de los mejores inicios de este año, del anterior y del que viene. 

Sin emabrgo, comienza en este momento, con dos canciones más 'poperas', como son '50,000 kilowatts' y 'Momento Mori'.

'Drown All Your Witches', quizás sea la más rechazada por los que estaban disfrutando de temas más 'punkarras', ya que, en esta ocasión se decantan más por una canción suave con guitarra acústica, en la que, acompañado de unos coros en el estribillo, te termina por convencer: 'joder, es que son unos genios'.

'Providence', es más similar al sonido que presenta el proyecto paralelo de Omar Rodríguez, Bosnian Rainbows, por el uso de esos sintetizadores de fondo, que también recuerdan al que en mi opinión, marcó el fin de The Mars Volta, su último álbum, 'Noctourniquet'.

Las dos últimas canciones, son las que menos te enganchan, y ponen fin a un disco que no consigue la perfección, sencillamente, por estas dos canciones, que en lo personal, no me terminan de convencer.

Bienvenidos a otro experimento del laboratorio del doctor Cedric y el doctor Omar.

Genios.

                                                                                    Eduardo López de Ayala Alcántara

Críticas: Opeth, Subsonica, Vetusta Morla, Amplifier e Interpol

Opeth - Pale Communion

9'5/10

Opeth, esa banda liderada por la genial mente de Michael Akerfeldt, nos presentan al sucesor de 'Heritage', 'Pale Communion'. Aquella banda de black metal, ha desaparecido, y con ella quizá, ha desaparecido una legión de seguidores. Ya en 'Heritage' demostraron dar un giro radical, pasando del citado black metal o death metal, a un rock progresivo de los 70. La pregunta principal de sus seguidores es, '¿donde carajo están los guturales?' o '¿por qué demonios esta banda se ha hecho tan suave?'. Y con razón, tienen derecho a quejarse, pero no a criticar sin escuchar más de dos minutos de un álbum como este, una joya del metal progresivo. Ocho largas canciones, pulidas hasta el más mínimo detalle y de larga duración (la más corta, 4:32 minutos).

Nosotros somos de los que pensamos, que el cambio de Opeth ha ido a mejor, y nos encanta que una banda cambie su estilo musical por lo que ellos quieran hacer, y no por lo que le obliguen a hacer desde las discográficas. 

El disco comienza con 'Eternal Rains Will Come', con más de tres minutos de música instrumetal, que se rompen con la entrada de la suave voz de Michael Akerfeldt acompañada de unos coros, que le seguirán a lo largo de casi todo el disco. Esta canción es perfecta para describir lo que es 'Pale Communion', ya que tiene cambios de velocidad, punteos de guitarra, piano, coros y letras pegadizas. El siguiente tema es el que fue su primer single de presentación, 'Cusp Of Eternity', del cual te quedas el riff que marca el ritmo de toda la canción. Preparate para 'tatarearlo' sin parar durante días.

La siguiente es la más larga de todo el álbum, con más de diez minutos de duración, 'Moon Above, Sun Below', la cual parece cansar nada más ver su duración, pero una vez que comienzas a escucharla, no te atreves a quitarla, porque en diez minutos de duración, han conseguido hacer una música tan entretenida, que se te pasa en tres minutos. Estas cosas, se valoran más que otras. Pocos artistas lo consiguen.

'Elysian Woes', es la canción más suave de todo el álbum, en la que la presencia de los coros marca toda la canción. La siguiente canción, 'Goblin, es totalmente instrumental, pero la composición de la misma, con el juego entre bajo y guitarra, junto al órgano, te hará llevarte las manos a la cabeza y decir, ¡¡son unos genios!!

'River' es otra de las canciones más relajadas del álbum, en la que hay que destacar, además de la voz, el trabajo que realiza la guitarra. Muy buena canción.

Acabando el álbum, viene 'Voice Of Treason', que tiene una doble cara. El principio es tranquilo, relajado, siguiendo la dinámica de la anterior, pero a mitad de canción, aparece el doble bombo, y la canción toma otra dinámica y otra velocidad. La letra nos cuenta una historia de amor, traición y venganza.

Para cerrar el álbum, con aires de grandeza, con sonidos muy metal, viene 'Faith In Others'.

En resumen, si eres seguidor de Opeth, o lo tomas o lo dejas, pero tienes que aceptar, que es uno de los mejores álbumes de su carrera. Brillante.

Subsonica - Una Nave In Una Foresta

6'5/10

Cuando leí en la prensa italiana la noticia que confirmaba los rumores de un nuevo álbum de Subsonica, quise indagar más. Tristemente, a España, la música italiana apenas llega, por lo que me fue díficil encontrar más información. Bueno, eso que a España la música italiana no llega, querría corregir, y decir, que a España directamente no llega música. Pero en fin, no me meto en eso.

Leí que, el nuevo álbum seguiría la dinámica que el anterior, 'Eden', publicado en 2011, lo cual me decepcionó un poco, ya que sabía perfectamente que el nuevo álbum estaría muy marcado por la presencia de electrónica, siguiendo la estela de sus primeros álbumes como el 'Microchip Emozionale', pero más allá de eso, la banda de Turín se tomó muy enserio la grabación de este nuevo álbum. El nombre no está puesto por pura casualidad, si no que la banda se marchó a una casa de campo solitaria para componer el disco. Querían alejarse de la ciudad, y estar más en contacto con la naturaleza. 

El disco cuenta la historia de personajes de un bosque, amantes que desafían ansiedades e incertidumbres, hombres lobos, jóvenes que pierden su ruta, viejos a punto de morir, y pecadores que van a misa los domingos. Todos esos personajes forman 'Una Nave In Una Foresta', donde al final del álbum todos se dan cuenta que hay algo de lo que no pueden escapar: la preservación de nuestro entorno natural.

Como se observa, la simbología en Subsonica es algo primordial. Lo demostraron en todos sus álbumes, lo que les hace originales.

En el álbum, como supuse, interviene la electrónica, pero los ritmos pegadizos y que más enganchan, son fruto de riffs y punteos de la mano de 'C.Max', lo cual parece que este álbum es una mezcla de 'Terrestre' y 'Microchip Emozionale'. A la primera escucha decepciona, pero al analizarlo, impresiona. Estamos quizás, ante el álbum más trabajado de todos. Canciones con estribillos pegadizos como 'Lazzaro' o 'Una Nave In Una Foresta', más canciones con ritmos muy bailables como 'Tra Le Labbra' o 'I Cerchi Degli Alberi' y canciones potentes como 'Ritmo Abarth', hacen de este álbum, un disco muy entretenido, con temas muy pegadizos para pasar un buen rato. Sin duda alguna, mucho mejor álbum que el anterior, 'Eden'.

Vetusta Morla - La Deriva

7/10

No creo que haya en España un grupo que cause tanto revuelo, ni cause tanta expectación como Vetusta Morla. Desde aquel debut en 2008, con 'Sálvese Quien Pueda', este grupo de Tres Cantos, se ha convertido en una de las grandes influencias en grupos indie-rock o rock alternativo que surgen hoy en día en España. Pero, como a todos los artistas, yo el primero, les pedimos más y más, y siempre estamos haciendo odiosas comparaciones, y en este caso, compararemos siempre cualquier trabajo de Vetusta con su primer álbum, el ya citado 'Sálvese Quien Pueda'.

En esta ocasión nos traen 'La Deriva', un álbum que clasifico en dos partes: una primera más animada, muy parecido al primer álbum, y una segunda parte mucho más floja, sin chispa. Y esa es la sensación que se te queda al acabar este álbum, como que algo falta. No se me malinterprete, me gusta el nuevo disco, pero se que podría haber algo más, y espero que en su próximo disco se recupere, y que Vetusta Morla no se convierta en una de esas bandas que empiezan en lo más alto y poco a poco van cayendo.

El disco comienza, con la que nombre al álbum, 'La Deriva' en la que hay que destacar el trabajo de David García a la batería y Guillermo Galván a la guittarra. 'Golpe Maestro', el primer single del disco, muestra la rabia socio-política de la banda, ocultada siempre, pero que, por los tiempos que corren, se han visto obligados a expresarlo en su música. 'La Mosca En Tu Pared', sigue más la dinámica del anterior álbum, 'Mapas'. Tras esta, vienen las que a mi parecer, son las que más representan a los Vetusta Morla de siempre, 'Fuego' y 'Fiesta Mayor', donde la voz de Pucho, es brillante. Las dos mejores canciones del álbum, sin duda. Piel de gallina en los estribillos,

Y a partir de aquí, la decadencia del álbum. Canciones mucho más calmadas, más 'indies' por así decirlo, como '¡Alto!', 'Tour de Francia' o 'Una Sonata Fantasma', que al acabar, te dejan con algo por dentro que te dice, que falta algo.

En definitiva, es un buen álbum pese a la crítica que hago, me gusta, pero 'tripito', falta algo.

Amplifier - Mystoria

7/10

Palabras de Sel Balamir: 'Hemos desarrollado un nuevo concepto, una fórmula sin sentido. Podríamos llamarlo liposucción musical, supongo. Hemos vuelto a nuestras raíces, componiendo grandes canciones y melodías. Ahí es donde decidimos quedarnos'.

Y con esto y un bizcocho...

Más claro agua. Tras 'Echo Street', en un fracasado intento por seguir la estela del hermano mayor de todos los discos de Amplifier, 'The Octopus', vuelve la banda británica, y si, con un rock progresivo que recuerda a sus discos iniciales, 'Insider' o 'Amplifier'.

Grandes dosis de rock progresivo, con fuertes cambios en las guitarras, con potentes riffs como en 'Named After Rocky' o en 'The Meaning Of If'', y con estribillos en los que Sel Balamir consigue unas baladas que cantaremos debajo de la ducha, como en 'Cat's Cradle' o en la pegadiza 'OMG', marcada por un riff de guitarra muy tatareable.

En definitiva, Amplifier necesita libertad, y no estar condicionado como en ''Echo Street', ya que en aquel disco todas las miradas estaban puestas en ellos, para ver si podrían volver a repetir un álbum tan redondo como 'The Octopus'.
Nada más que decir.

Interpol - El Pintor

5'5/10

Cuando me dispuse a escuchar y a escribir esto, sobre el nuevo disco de los neoyorquinos Interpol, iba con una idea clara, y es que, este álbum iba a servir para confirmar o que, Interpol no es capaz de encontrar un sonido como sus tres primeros álbumes, o que podrían volver a la senda del buen camino, recuperando aquel sonido que les hizo llegar a lo más alto.

Interpol es una de esas bandas que poco a poco ha ido cayendo en picado, y solo unos pocos seguimos confiando en que Paul Banks y compañía, van a recuperar el sonido de sus orígenes.

Ellos quieren volver, y lo muestran haciendo un guiño a su álbum debut con los mismos colores en la portada, y quizá te hagan sentir que si, que el sonido es parecido, por canciones como 'All The Rage Back Home', 'Anywhere' o la potente 'Ancient Ways', y sobre todo, y lo más importante es, que superan al anterior trabajo homónimo de la banda, aquel disco publicado en 2010, en el que la banda intentó experimentar con nuevos sonidos, dando como resultado, el peor álbum de la banda. Con la muerte del bajista Carlos Dengler, se fue una parte muy importante del sonido de Interpol, y ha obligado al vocalista Paul Banks a ocuparse del bajo.

Poco a poco, la banda va consiguiendo recuperarse a sí misma, pero aún queda mucho por trabajar. No esperes encontrar temazos como 'Evil', 'Obstacle 1', o 'C'Mere', no hay canciones que te enganchen, faltan la chispa que, como ya decimos, se han propuesto recuperar. Esperaremos lo que haga falta.

Críticas: Anberlin y Skip The Use

Anberlin – Lowborn

7/10

Voy a ser sincero. La primera vez que escuché 'Lowborn' y me dispuse a escribir, no sabía que decir. Estuve en frente de mi ordenador, mientras escuchaba a Stephen Christian llegandome a lo más fondo de mi alma sin capaz de teclear nada más que el nombre del grupo y el nombre del álbum. No sabía como reaccionar. Sentía tristeza, y a la vez alegría por escuchar material nuevo de Anberlin.

Para los más rezagados, allá por el mes de Marzo, Anberlin hizo público que tras el lanzamiento de un nuevo álbum y una gira de agradecimiento para todos los fans, se disolverían. Esto es un punto importante a la hora de realizar la crítica de este disco, ya que estamos hablando de un disco que es más bien, una carta despedida. No es el mejor álbum de Anberlin, desde mi punto de vista, pero si es el disco en el que se le ha dado más importancia a la voz, se ha trabajado mucho en el tema vocal, y es el disco en el que mayor presencia de sonidos electrónicos hay.

Metiéndonos más en profundidad, 'Lowborn' es un disco con muchos cambios, lo que lo puede llegar a hacer entretenido. La canción que da inicio al disco, 'We Are Destroyer', es una canción fuerte en la que Stephen Christian suelta toda su energía, seguidas de 'Armageddon' y el single 'Stranger Ways', canciones más pausadas y suaves. Se vuelve a producir un cambio con 'Velvet Covered Brick', donde vuelven a engancharnos al disco con unos riffs potentes. 'Atonement' es quizá, una de las canciones más importantes del disco, donde la banda habla sobre la ruptura de la banda y lo que sienten, con una voz de diez. Sinceramente, esa canción llega a los corazones de los fans. 'Birds Of Prey' es posiblemente, la canción más floja del álbum en mi opinión. El disco vuelve a tomar otra dinámica con 'Dissenter' y la pegadiza 'Losing It All'. 'Dissenter', llama la atención por la rápidez, la fuerza de los riffs, con un Stephen Christian que parece perder la cabeza. Me quedé alucinado la primera vez que escuché esta canción, pero a la segunda escucha, que pude analizarla con más detalle, me di cuenta que estaba ante una de las mejores del álbum, recordandome a canciones de sus primeros trabajos, en concreto a 'Godspeed' del álbum 'Cities'.

'Hearing Voices' y 'Harbinger' vuelven a la dinámica de despedida, donde en la última, dice 'we'll live forever, we'll come together, (I don't wanna go now, but I know I've go to)'.

Siempre con nosotros. Gracias por tantos años de MÚSICA. Hasta siempre. 

Skip The Use - Little Armageddon

7'5/10

Está claro que los franceses son más abiertos que nosotros, y la música es un gran ejemplo, quizá por la evolución de un país u otro, o la aceptación de otras culturas, o no sabemos que realmente. Que Skip The Use eran una banda más ligada al punk, vale, pero en esto de la música si quieres llegar a algo rápido antes que llegar a algo haciendo lo que te llena de verdad, tienes que adaptarte a lo que se lleve en el momento, y los galos lo han hecho de una manera brillante. Sonidos que en algunos momentos parece una fusión de los Arctic Monkeys con Bloc Party, como en 'Second To None', o canciones que mezclan un indie-rock bailable con el reggae, como en el single 'Nameless World'. Influencias hasta de The Police, se aprecian en canciones como 'The Wrong Man'. También, destacable la cantidad de coros de mujeres de raza negra que aparecen en casi todas las canciones. Y es que, los coros así, dan gusto mezclados con algo de rock.

En definitiva, 'Little Armageddon' es el impulso que Skip The Use necesitaba para llegar a algo más. Quedense con este grupo, porque pronto los veremos en los grandes festivales, y ojalá por España.

Críticas: Linkin Park, Mastodon, Clutch y Möngol Hörde

Linkin Park - The Hunting Party

8/10

Aún recuerdo la vez que mi abuela me compró en un viaje a Portugal, el primer disco de Linkin Park, una obra de arte a comienzos del siglo XXI titulada 'Hybrid Theory'. Por aquellas, tenía 6 años. Ahora, que tengo 20, cada vez que escucho ese disco, me sigue gustando igual que la primera vez que lo escuché en mi viejo reproductor de Cd's. He estado en todos los discos de la banda, en el ya citado, en el 'Meteora', en 'Minutes To Midnight', en 'A Thousands Suns', en 'Living Things' y ahora, en 'The Hunting Party'. Por lo tanto, considero a Linkin Park, como la banda con la que crecí, y es posiblemente, la banda de música que más duramente he criticado desde mi poca experiencia, pero a la vez es una de esas bandas que defenderé a muerte. En 'Minutes To Midnight' la banda marcaba un antes y un después en su estilo musical, dando 'muerte' a aquellos Linkin Park que nos enamoraron con sus dos primeros discos.

Tras dos discos desde el 'Minutes To Midnight', la banda de California nos traen 'The Hunting Party', y si, podría definirse con una frase: 'el reencuentro con sus primeros seguidores', aquellos que nunca perdimos la fe en ellos. 

Las tres primeras canciones, 'Keys To Kingdom', 'All For Nothing' y 'Guilty All The Same', muestran aquello que los viejos seguidores echábamos de menos: las guitarras, sin importar ritmo y potencia, simplemente, las guitarras. 'All For Nothing' es una de las mejores canciones del álbum, y cuenta con la colaboración de Page Hamilton, en un estribillo que si tuviera que ponerle una nota sobre 10, le pondría un 12. 

La cuarta canción es una especie de 'intro', algo psicodélica para dar inicio a la canción más punkarra del disco, 'War', en la que Chester parece perder la cabeza, con una voz desgarradora.

El disco sigue en la misma dinámica, con 'Wastelands' en la que el hip-hop de Mike Shinoda y las intervenciones de Chester, nos recuerdan mucho al tipo de canciones de sus primeros discos.

Tras 'Wastelands', viene 'Until It's Gone', una canción que sigue la estela de los últimos discos, con baladas de Chester más suaves y dulces. No son tontos, tampoco quieren perder al nuevo legado de fans que han conseguido.

Vuelven a la fuerza con 'Rebellion', colaborando con Daron Malakian, guitarrista de System Of A Down, el cual se nota su influencia nada más darle al 'play'. La voz de Mike Shinoda junto a las intervenciones de Chester, hacen de 'Rebellion' una de las mejores canciones, no solo del disco, si no de la carrera musical de Linkin Park. 'Mark The Graves' es una de las canciones, en las que le han subido el volumen a las guitarras con unos 'riffs' muy potentes, pero vuelve la voz suave de Chester. Ya no es tan desgarradora.

'Drawbar', canción instrumental junto a Tom Morello, 'Final Masquerade', que sigue la dinámica de 'Until It's Gone' y la canción más larga del disco, 'A Line In The Sand', dan fin a 'The Hunting Party', el mejor disco de la banda en los últimos 8 años. Ojalá, y sigan así para siempre.

Mastodon - Once More 'Round The Sun

7'5/10

La banda de metal progresivo de Atlanta, nos presenta 'Once More 'Round The Sun', su sexto álbum de estudio. Podría decirse, que este nuevo disco es la continuación natural del cuarto álbum de la banda, 'Crack The Skye', observado en temas como la que da comienzo al disco 'Tread Lightly', y por la inmediatez y rapidez con la que te engancha, recuerda a sus primeros discos, como la dureza del 'Remission' junto a los ritmos y estribillo más pegadizos del 'Leviathan'. 'Chimes At Midnight', y 'High Road', los dos primeros singles que la banda colgó antes del lanzamiento del álbum, son el claro ejemplo de lo anteriormente dicho. 

En este disco, al igual que en todos los anteriores, la aportación de Brann Dailor en la batería es de sobresaliente, pero en este disco, la novedad es que, también hace un gran aportación en el aspecto vocal, apareciendo en muchas canciones del disco. Habrá que ver como lo hacen en concierto.

En resumen, en este álbum vas a encontrarte, lo ya mencionado anteriormente, alguno de sus estribillos más pegadizos de la carrera musical de Mastodon, pero al acabar 'Once More 'Round The Sun' a pesar de que, aún siendo un disco a la altura de muy pocos, no han estado tan brillantes, dando la sensacion de 'que falta algo'.

Clutch - 'Earth Rocker

9'5/10

'Earth Rocker' es el décimo álbum de estudio de la banda norteamericana de Germantown, Maryland.

Este disco es un puñetazo de Classic/Stoner/Blues Rock. Canciones elaboradas desde el amor por lo que uno hace, basadas en más de 20 años de experiencias en escenarios, y en largos viajes por la carretera. Disco compacto, sin fisuras, muy rápido pese a tener canciones de más de 5 minutos. Una gozada para los oídos que te invitan a levantarte del asiento para no parar de saltar. Estribillos y ritmos pegadizos ('DC Sound Attack', 'Mr Freedom') y canciones muy trabajadas y profundas, como la que da fin al disco, 'The Wolfman Kindly Requests...', la cual, en sus últimos minutos te hará sentir que has escuchado un disco que por lo menos, merece ser comprado para tu colección.

No tengo más calificativos para 'Earth Rocker', sencillamente, sublime.

Mongol Horde - Mongol Horde

6/10

Destacando en su etapa en solitario, componiendo canciones de folk, Frank Turner vuelve a adentrarse en el mundo del hardcore. El ex componente de Million Dead, llevaba avisando en los últimos años que tenía ganas de volver a grabar material más duro. Para ello, ha reclutado a Matt Nasir, de sus años en solitario y a Ben Dawson, ex componente de Million Dead. 

Las letras de Möngol Hörde, son para hacer un examen psicológico a Frank. Deja de atacar a la política y a la sociedad, como la mayoría de las bandas de hardcore, para hacer un ataque a la locura y a la estupidez. Historias de unicornios zombies sedientos de venganza, Keith Richards como Terminator persiguiendo a través del tiempo a The Beatles, y ataques sin piedad a aquellas personas que usan emoticonos para expresarse por el móvil. En cuanto a lo demás, guitarras mucho más trabajadas que en Million Dead, y canciones rápidas e intensas. Pocas veces se le oyen baladas a Frank Turner. Es un disco para matar el gusanillo de Frank Turner, nada más.

Críticas: Minor Empires, Leprous, Manchester Orchestra y Arctic Monkeys

Minor Empires - Minor Empires

7/10

Que dos de las bandas más importantes del panorama rock nacional (Toundra y Nothink) unieran fuerzas para hacer un nuevo proyecto juntos, dimos gracias al cielo por la existencia del concepto 'alianza', 'asociación', etc., y es que, desde que se conoció dicha noticia, sabíamos de sobra que de semejante 'alianza', 'asociación' no podría salir nada malo. Minor Empires está formada por Victor García-Tapia (ex-guitarrista de Toundra), Juan Blas (ex-cantante y guitarrista de Nothink), Miguel Peñas (ex-batería de Nothink), y Javier 'Seisdedos' (miembro de Moonich). 

Tras varios problemas con la edición del disco, tanto en formato CD como en vinilo, por problemas de la discográfica, por fin, y tras una larga espera pudimos escuchar 'Minor Empires'. ¿Como resumir lo que es este disco? Imagina a Nothink con las guitarras de Toundra, y eso es lo que te va a ofrecer esta banda madrileña. Y eso a ellos no les importa, no les importa ocultar sus orígenes. Señoras y señores, recalquen bien esto último que acabo de decir, se llama personalidad y se esta perdiendo en muchas bandas de hoy en día. 

Tras una breve intro, de carácter oscurillo, 'The Physics Of Lights', se presenta 'Targets', en la que la guitarra de Víctor y la rapidez de la canción nada más comenzar, nos recuerda a los últimos suspiros de Nothink como banda. 'Empty Rooms', es sin duda un tema de diez. Brutales coros en el estribillo, combinados con unos 'riffs' potentes. Sin duda, una de las más aclamadas en los conciertos que se les avecinen. 

Tras este temazo, aparece 'The Story Of Timothy Treadwell', que narra la historia de un ecologista que convive con los osos grizly y al final es asesinado por estos mismos. Tema más oscuro, que nos hace recordar a Toundra de principio a fin, por la bendita guitarra de la que tanto hablamos.

Tras este tema más oscuro, nos sorprenden con 'Truth Seeker', que al igual que 'Empty Rooms' será otro de los temas más deseados y cantados en los conciertos, por el estribillo de la canción en la que Juan vuelve a bordarlo. Alzaremos las manos con este tema.

El disco llega a su ecuador con 'Linsey' y 'Echoes Frome Nowhere' y cuando parece que el disco adquiere una dinámica más suave, nos sorprenden con temas fuertes como 'Numbers' y 'Drones'. El broche final lo pone 'The Season', con unos coros que nos hace sentir pena de que el disco solo tenga diez canciones.

Buen debut de esta banda, que si aún no la has oído, mucho estás tardando. En España sí se hace buena música, solo hay que querer escucharla y darle oportunidades.
 

Leprous – Coal

8/10

Paciencia. Eso es lo primero que pensé en cuanto comencé a escuchar 'Coal' el cuarto álbum de estudio de la banda de Notodden, Noruega.

Disco mucho más trabajado, más profundo, más 'oscuro' por así decirlo. Ocho canciones, en las que Einar Solberg te va a enamorar con su voz.

Si el anterior disco, 'Bilateral' estaba cargado de dinamismo, este disco es mucho más lento, mucho más díficil de escuchar, lo cual te lo demuestra en la primera canción, 'Foe'. 'Chronic' quizá pasaría desapercibida en anteriores trabajos de la banda, con un estribillo bastante pegadizo.

El gran trabajo que han echo los noruegos se observa en 'The Valley', nueve minutos de canción que se pasan como si de un single de radio española se tratara, debido a los cambios en las guitarras y batería, mezclado con un trabajo genial en los teclados, con una voz que, sinceramente, roza la perfección. Lo sé, Einar me tiene totalmente enamorado.

Aquellos que aún no hayais sido capaces de poneros a escuchar 'Coal', os recomiendo que os tumbéis en la cama, os pongáis los auriculares y disfrutéis de un disco, que ha logrado llevar a una banda escandinava a ser, una de las referentes del metal progresivo de hoy en día. Chapeau!

Manchester Orchestra - Cope

7'5/10

'Cope' es el cuarto álbum de estudio de la banda de indie-rock de Atlanta, que nos ha sorprendido gratamente. ¿Por qué digo esto? Porque tuve que bajar el sonido de mis auriculares nada más poner el disco. No me esperaba un inicio así. Y es que 'Top Notch', primera canción del disco, da comienzo, a lo que ellos mismos avisaron antes de sacar el álbum, un disco más duro que los anteriores, más fuerte por así decirlo. Han subido el volumen de sus guitarras en esta nueva entrega, y el resultado ha sido maravilloso. Si las intenciones eran sacar su lado más duro y mas potente sin cambiar la verdadera esencia de lo que es Manchester Orchestra, lo han conseguido. Tarea díficil.

La voz de Andy Hull sigue siendo inconfundible, llegando a tonos más altos por lo que comentabamos antes, la dureza de las guitarras. Temas como 'The Ocean', 'Girl Harbor', o 'Every Stone', o el brutal inicio de 'All That I Really Wanted' con ese punteo de guitarra de fondo, o la que da fin al disco, que lleva el nombre del mismo, son claros ejemplos de lo que comento. Muy recomendable para aquellos amantes del indie-rock, aunque en esta ocasión es un rock más progresivo.

Arctic Monkeys – AM

7'5/10

Después de meses y meses, por fin, he podido pasar más de una canción de 'AM' el nuevo disco de este grupo de indie-rock británico, los Arctic Monkeys. Lo primero de todo, decir, que escuchar un disco de los Monkeys para mí es como rechazar ver la final de la Champions con tus amigos por una cena con tus suegros. Osea, una putada de las gordas. Pero, ¿y si en esa cena, consigues ver el lado positivo? Los anteriores discos, en lo personal, me decepcionaron un poco, ya que me los recomendaban como el resurgir de The Beatles o Deep Purple, y me encontré con unos discos de indie normales y corrientes. Buenos en su escena, pero no del nivel de los ya mencionados.

Esta es una opinión, de la que la mayoría estará en desacuerdo, sobre todo ese sector femenino que adora al señor Alex Turner. Respeto todo tipo de música, y estoy dispuesto a recibir las críticas necesarias, por que si yo crítico un estilo de música, debo aceptar las críticas hacia mi estilo de música favorita, y no me importa. Pues bien, hoy he vuelto a ser capaz de ver más allá del flequillo del señor Turner, y del humo que aparece en la mayoría de sus fotografías, y me he centrado en 'AM', el quinto trabajo de la banda de Sheffield, y efectivamente estamos ante un buen disco de indie-rock. Recordando que estos chavales, comenzaron en la escena post-punk junto a bandas como Kaizer Chiefs, Bloc Party o Franz Ferdinand, han conseguido más popularidad y ventas que los ya mencionados, y 'AM' es el culpable de ello.

El disco comienza con 'Do I Wanna Know?', tema que a mi parecer, tendría que romper en algún momento, aunque te enganchan Jaimie Cook jugando con su guitarra y Nick O'Malley con su bajo, y por los coros. La solución a ese momento más fuerte que esperamos, se soluciona con 'R U Mine' donde queda claro, la calidad del batería Matt Helders. 'Arabella' te sorprende de un salto con los 'riffs' de guitarra al final de la canción. En el ecuador del disco, parte fundamental, el disco adquiere otra dinámica, en la que consigue hacerte dar un par de suspiros (no se si me explico) con temas como 'No. 1Party Anthem' o 'Mad Sounds', aunque con 'Knee Socks' vuelven a ponerte en pie, por la fuerza que adquiere en comparación con las otras dos mencionadas.

En definitiva, no es el mejor disco del mundo, ya que es un estilo que ya está usado y muy de moda últimamente, así que no te va a sorprender en absoluto, aunque si eres amante del indie, este disco será bueno en tu colección.

Críticas: Animals As Leaders, Kyo, Bayside y Dagoba

Animals As Leaders - The Joy Of Motion

8/10

Que la música instrumental está en auge en estos últimos años, es una realidad.  Grupos como Mogwai, And So I Watch You From Afar, God Is An Astronaut o Explosions In The Sky, son el claro ejemplo. Al empezar a escuchar el disco del grupo de Washington D.C, con la brutal entrada de 'Kascade' , no me faltó tiempo para pensar, que estaba ante uno de los mejores discos de metal progresivo instrumental de los últimos años, y a medida que fue avanzando el disco, con temas como 'Lippincot' y la pegadiza 'Physical Education', me di cuenta que no estaba equivocado. Temas con toques de bandas como Protest The Hero ('Tooth and Claw' o 'Crescent') mezclados con momentos en los que la música ambiental va tomando más protagonismo, son la muestra de que 'The Joy Of Motion' es un disco que te va a sorprender de principio a fin.  La próxima vez que se mencione a grupos instrumentales, Animals As Leaders, no cabe duda, de que se han ganado estar entre los grandes.

Kyo - XY

5/10

Los tiempos cambian, y en la música los períodos de tiempo se hacen mucho más cortos que en otros ámbitos de la vida. Algunas bandas son capaces de mantenerse en lo alto, por lo que son, y no por lo que hacen, y otras simplemente, van quedando en el olvido por el paso del tiempo, o por que simplemente, pasan de moda, así, de la noche a la mañana. Vuelve la banda francesa KYO, tras 10 años de inactividad, aunque no todos los componentes de la banda estuvieron inactivos durante ese período (cantante y guitarrista formaron la banda Empyr) y como dije antes, los tiempos cambian. Los que esperabamos con ganas la vuelta de la banda de rock alternativo de París, nos hemos llevado una gran decepción, al escuchar un disco en el que el pop adquiere mucho más protagonismo. Es decir, los que esperaban un disco como, '300 Lèsions', con temazos como 'Contact' o 'Respire', que hacían retumbar al propio Napoleón en su tumba, van a llevarse una gran decepción. Canciones como 'Le  Graal' o la que da inicio al disco 'Poupeés Russes' son las que más destacan en un disco mucho más íntimo, más maduro, más personal, lo cual se muestra en canciones como 'L'equilibre'. Es un disco pasable, aunque tras 10 años de larga espera, no se puede evitar una cierta decepción. Personalmente, esperaba un disco como los últimos de Empyr. Aún así, siguen siendo de lo mejorcito de la escena francesa.

Bayside - Cult

7/10

Tres años después del flojo 'Killing Time', vuelve la banda neoyorquina con un trabajo mucho más elaborado. Como el propio nombre del disco, hacen un Culto a lo que Bayside se merecía por todos los problemas que ha superado la banda, como la muerte del primer batería. Es inevitable pensar, en los Bayside de 2004 y 2005, con el temazo 'Devotion and Desire', y es inevitable desear unos discos de esa calidad, y es que, desde la muerte del batería, los discos de Bayside empiezan fuerte, y a medida que van avanzando, la monotonía se adueña del disco, y a veces ni te das cuenta por que parte del disco vas, si por el final o por la mitad. Quizá la banda haya perdido fuerza, no sabemos. Pasó con 'The Walking Wounded' y pasó con 'Shudder', y aunque este disco esté más elaborado, no se puede negar que el disco comienza a perder fuerza en la segunda mitad. Temas como 'Time Has Come', 'Big Cheese' o 'You're No Match' te hacen sentir que Bayside se ha trabajado bastante este disco, y escuchando el temazo que es 'Pigsty' te consiguen hacer llegar a lo más alto. El problema es, que te lo hacen en la canción número 5. Es mejor disco que 'Killing Time', pero no mejor que 'The Walking Wounded'.

Dagoba - Post Mortem Nihil Est

9/10

Algo pasa en Francia. No es envidia, es admiración. Gojira nos trajo desde Bayona (Francia), el casi perfecto, y digo casi, porque no soy partidario de que la perfección exista, 'L'enfant Sauvage', y ahora desde Marsella, nos llega 'Post Mortem Nihil Est'. ¿Qué os han metido en las ensaimadas? En fin, a lo que iba, estamos ante uno de los que podría estar entre los mejores discos del años. Comienza el disco con 'When Winter...' en el que Shawter deja claro, que a parte de tener unos guturales tremendos, sabe como, y en que momento, meternos unas baladas que nos pone la piel de gallina y nos dan unas tremendas ganas de estar junto al escenario cantando como una fan descontrolada, y eso es así. Lo mismo podría decir de 'Kiss Me Kraken', o del solo de guitarra de 'The Realm Back'. 'Nevada' y 'The Great Wonder' siguen la estela de las demás, llegando al colofón del disco con 'By The Sword'. Para los amantes del metal, abróchense los cinturones y disfruten.